Ở thành phố Cần Thơ, một nhóm các nghệ nhân và người yêu nghệ thuật đã tập hợp lại với nhau để thành lập nhóm Art house. Mục tiêu của họ là biến những phụ phẩm nông nghiệp, như vỏ bắp, thành các sản phẩm thủ công mỹ nghệ độc đáo. Qua hoạt động này, họ không chỉ góp phần giảm thiểu rác thải mà còn giữ gìn và phát huy giá trị của nghệ thuật thủ công truyền thống.

Nhóm Art house Cần Thơ bao gồm các giáo viên mỹ thuật, sinh viên và những người yêu nghệ thuật. Họ đã lấy cảm hứng từ cuộc sống nông thôn ở miền Tây, nơi cây bắp đóng vai trò quan trọng trong đời sống của người dân. Nhóm đã tìm cách biến vỏ bắp, thứ mà nhiều người cho là phế phẩm, trở thành chất liệu tạo nên các sản phẩm thủ công giàu giá trị.

Quá trình tạo ra các sản phẩm này hoàn toàn bằng tay. Mỗi chiếc túi xách làm từ vỏ bắp cần trải qua nhiều công đoạn tỉ mỉ như thu gom, xử lý, phơi vỏ, đan và trang trí bằng vải lụa. Mỗi sản phẩm cần từ một đến hai ngày để hoàn thiện. Các thành viên trong nhóm phải dành nhiều thời gian và công sức để tạo ra mỗi sản phẩm.

Các sản phẩm của nhóm không chỉ dừng lại ở túi xách mà còn có ví, đế lót bình hoa, khung gương trang trí và giấy thủ công làm từ vỏ bắp. Loại giấy này được tạo ra bằng cách xay nhuyễn vỏ bắp, sau đó pha trộn với màu thực phẩm và hoa lá tự nhiên. Từ giấy vỏ bắp, nhóm đã tạo ra các tác phẩm tranh dân gian bằng cách kết hợp kỹ thuật in khắc gỗ và tô màu theo phong cách tranh Đông Hồ, Hàng Trống. Nhóm cũng vẽ tranh phong cảnh địa phương và các chủ đề về đờn ca tài tử trên giấy vỏ bắp, nhằm giới thiệu về vùng đất Cần Thơ.

Art house Cần Thơ không chỉ là một nhóm nghệ thuật, mà còn là một biểu tượng của phong trào sống xanh và sáng tạo bền vững trong cộng đồng. Các thành viên thường xuyên tổ chức các buổi hướng dẫn làm thủ công cho học sinh, sinh viên và người dân địa phương. Qua các hoạt động của mình, nhóm Art house Cần Thơ hy vọng mang đến một thông điệp về việc tái sử dụng và tái tạo các chất liệu có sẵn trong tự nhiên, đồng thời lan tỏa tình yêu văn hóa và sáng tạo trong cộng đồng.

Grok AI, sản phẩm trí tuệ nhân tạo được phát triển bởi công ty xAI do Elon Musk sáng lập, đang là tâm điểm chú ý của cộng đồng người dùng công nghệ trong thời gian gần đây. Với tính năng mới giới thiệu một nhân vật đồng hành bằng AI, Grok đã tạo ra một cuộc tranh cãi sôi nổi trên các nền tảng mạng xã hội.

Tính năng ‘Companions’ của Grok cho phép người dùng đăng ký gói cao cấp của xAI trải nghiệm các nhân vật đồng hành ảo được tạo ra bằng công nghệ AI. Một trong những nhân vật đã thu hút sự chú ý của người dùng là Ani, một hình tượng được cho là lấy cảm hứng từ Misa Amane, một nhân vật trong bộ anime nổi tiếng Death Note.

Sự ra mắt của tính năng này đã gây nên nhiều phản ứng khác nhau từ cộng đồng người dùng. Một số người dùng ca ngợi sự sáng tạo và tương đồng của Ani với Misa Amane, trong khi những người khác lại cáo buộc xAI đạo nhái hình tượng nhân vật mà không xin phép. Sự việc này đã làm nổi bật lên thách thức về việc cân bằng giữa sáng tạo và tôn trọng quyền sở hữu trí tuệ trong lĩnh vực công nghệ AI.

Đại diện của Grok đã xác nhận rằng Ani được lấy cảm hứng từ Misa Amane để thu hút người hâm mộ anime. Tuy nhiên, họ cũng cho biết đã điều chỉnh thiết kế của Ani để tránh vi phạm bản quyền. Dẫu vậy, ý kiến của người dùng trên mạng xã hội vẫn bị chia rẽ. Một số người cho rằng đây là một cách tiếp cận sáng tạo, trong khi những người khác lo ngại về việc Ani bị ‘tình dục hóa’.

Cuộc tranh cãi này không chỉ dừng lại ở vấn đề sáng tạo và quyền sở hữu trí tuệ, mà còn liên quan đến việc ứng dụng AI trong các sản phẩm công nghệ. Việc sử dụng AI để tạo ra các nhân vật đồng hành ảo đã mở ra những cơ hội mới cho các nhà phát triển, nhưng cũng đặt ra những thách thức về mặt đạo đức và trách nhiệm.

Hiện tại, Grok và xAI vẫn chưa có phản hồi chính thức về những cáo buộc đạo nhái và sự tranh cãi xung quanh tính năng ‘Companions’. Tuy nhiên, sự việc này đã làm nổi bật lên tầm quan trọng của việc thảo luận và giải quyết các vấn đề liên quan đến AI, sáng tạo và quyền sở hữu trí tuệ trong thời đại công nghệ số.

Thông tin thêm về Grok AI và tính năng ‘Companions’ có thể được tìm thấy trên trang web chính thức của xAI. Người dùng có thể tham khảo thêm các nguồn tin cậy khác để hiểu rõ hơn về sự việc.

Robot đang ngày càng khẳng định vị trí của mình trên sàn diễn thời trang, không chỉ còn là đạo cụ sân khấu mà đã trở thành ‘đồng nghiệp’ của người mẫu. Từ những bước đầu tiên của robot Ameca tại Milan Fashion Week đến sự xuất hiện của Unitree G1 tại Shanghai Fashion Week, robot đang mở ra một kỷ nguyên mới trong ngành thời trang.

Sự phát triển của robot trên sàn diễn bắt đầu từ những năm 1990, khi Thierry Mugler giới thiệu bộ suit Robot Couture bằng kim loại và nhựa dẻo trong suốt năm 1995. Bốn năm sau, Alexander McQueen đã đưa ra câu trả lời về việc liệu máy móc có thể trở thành chủ thể nghệ thuật trên sàn diễn khi dùng hai cánh tay robot công nghiệp phun sơn trực tiếp lên bộ váy trắng của Shalom Harlow.

Những năm 2000-2010, các nhà mốt như Hussein Chalayan và Chanel tiếp tục đẩy xa biên giới giữa thời trang và công nghệ khi trình diễn những bộ sưu tập với drone, robot hình stormtrooper, và trang phục biến hình với điều khiển từ xa. Tuy nhiên, phần lớn những lần xuất hiện của robot trên sàn diễn giai đoạn này vẫn mang nặng tính biểu tượng và hiệu ứng thị giác, hơn là một sự phối hợp thực sự giữa người và máy.

Đến nay, robot đã trở thành một phần quan trọng của sàn diễn thời trang. Các thương hiệu đã bắt đầu coi robot là đối tác sáng tạo, một người mẫu hay người dẫn chuyện. Điều này tạo ra những cuộc giao thoa sống động giữa máy móc và con người, xóa bỏ giai đoạn trình diễn một chiều của robot thuở trước.

Robot có thể sẽ trở thành đại sứ thương hiệu, những humanoid như Ameca có thể được lập trình để giao tiếp trực tiếp với khách hàng tại các cửa hàng flagship, đóng vai trò người mẫu AI hoặc đại sứ thương hiệu di động. Sàn diễn thực tế ảo lai (phygital) được cho là sẽ phát triển mạnh mẽ, các show diễn tương lai sẽ kết hợp người mẫu thật, robot và các nhân vật ảo (digital avatars), sử dụng công nghệ AR/VR để tạo ra trải nghiệm trình diễn đa chiều và cá nhân hóa.

Robot sẽ ngày càng tham gia sâu hơn vào quá trình thiết kế, trở thành cộng sự đắc lực của con người, từ phác thảo, dựng mẫu, đến thử nghiệm chất liệu theo các quy trình tự động hóa cao. Điều này mở ra tiềm năng cá nhân hóa thời trang theo thời gian thực ngay tại sàn diễn.

Trong chiến lược phát triển thời trang bền vững, việc sử dụng robot để mô phỏng người mẫu thật trong các buổi thử nghiệm có thể giúp giảm thiểu sản xuất mẫu vật lý, hạn chế lãng phí chất liệu. Các studio sáng tạo đang nghiên cứu phát triển ‘Digital Twin Robot’ – những robot mô phỏng thông số cơ thể người mẫu để thử trang phục theo thời gian thực, giảm thiểu tác động môi trường ngay từ khâu thiết kế.

Robot đang trở thành một phần không thể thiếu trong ngành thời trang, không chỉ là câu chuyện của vải vóc, thời trang hiện nay còn là sân khấu của công nghệ. Sự hợp tác giữa các nhà thiết kế thời trang, kỹ sư robot, nghệ sĩ biểu diễn và nhà lập trình AI sẽ tái định nghĩa trải nghiệm runway, đưa sàn diễn trở thành một không gian giao thoa giữa hiện thực và tương lai.

Âm nhạc đã trở thành một phần không thể thiếu trong lịch sử phát triển của FPT, thể hiện tinh thần và văn hóa đặc trưng của công ty. Những ca khúc gắn liền với STCo (Sống Trẻ – Cười – Ối) không chỉ là những câu chuyện sống động mà còn khắc họa tinh thần FPT: mạnh mẽ, dí dỏm và luôn hướng tới tương lai. Từ những giai điệu hùng tráng, hài hước của những bài hát tập thể, đến những nốt nhạc sâu lắng chạm trái tim FPTer xa nhà, mỗi bài hát là một mảnh ghép quan trọng trong bức tranh văn hóa FPT.

Nhắc đến những nhạc phẩm “kinh điển” của FPT, không thể bỏ qua “Đoàn FPT” – giai điệu bất tử được chế lời từ ca khúc “Đoàn giải phóng quân” của cố nhạc sĩ Phan Huỳnh Điểu. Với giai điệu hùng tráng cùng ca từ hài hước, nhạc phẩm độc đáo này đã trở thành biểu tượng của tinh thần FPT: mạnh mẽ, kiên cường nhưng không kém phần dí dỏm. Bên cạnh đó, những ca khúc như “Người FPT”, “FPT dòng sông lời thề”, “FPT Vision” cũng là những tuyệt phẩm không thể thiếu trong kho tàng STCo.

Nhằm khuyến khích CBNV sinh viên, thực tập sinh và cộng tác viên FPT trên toàn cầu cùng tham gia và sáng tạo âm nhạc đậm chất STCo, cuộc thi sáng tác STCo với chủ đề “AI HAY” ra đời. Đây là dịp để các thành viên FPT thể hiện khả năng sáng tác âm nhạc của mình, mang đến những tác phẩm mới mẻ và thú vị. STCo2025 sẽ là sân chơi âm nhạc và công nghệ hòa quyện, nơi AI không chỉ là những dòng code hay thuật toán, mà là chất xúc tác để FPTer kể những câu chuyện của mình.

Cuộc thi chính thức phát động từ ngày 17/07 và kéo dài đến hết ngày 29/08. Tác phẩm dự thi có thể là những sáng tác mới hoặc lời mới trên nền nhạc có sẵn, từ những giai điệu quen thuộc trong đời sống cộng đồng đến các bài dân ca Việt Nam và thế giới. Những tác phẩm xuất sắc sẽ có cơ hội được trình diễn tại lễ kỷ niệm sinh nhật FPT, cơ hội để các tác giả thể hiện tài năng và để lại dấu ấn trong lòng khán giả.

Thông qua cuộc thi này, FPT hy vọng sẽ tiếp tục nuôi dưỡng và phát triển văn hóa âm nhạc đặc trưng của mình, đồng thời tạo ra một sân chơi thú vị và bổ ích cho các thành viên của mình. Mọi thông tin chi tiết về cuộc thi có thể được tìm thấy trên trang chủ của FPT hoặc các kênh thông tin chính thức khác của công ty.

Điền Huyền Linh, thường được biết đến với cái tên Điền70s, đã khẳng định vị trí của mình trong ngành thời trang Việt Nam với phong cách làm việc độc đáo và sáng tạo. Là một stylist nổi tiếng và có ảnh hưởng, cô đã tạo nên một dấu ấn riêng bằng cách kết hợp tinh tế giữa nét hoài cổ và hơi thở đương đại trong từng bộ ảnh và dự án thời trang mà cô thực hiện.

Với sự nghiệp của mình, Điền70s đã có cơ hội hợp tác với nhiều nghệ sĩ tên tuổi như Đen Vâu, Vũ, Suboi, Thảo Nhi Lê, và các thương hiệu thời trang hàng đầu thế giới như Chanel, Dior, Gucci. Bên cạnh đó, cô cũng đã làm việc cùng các nhà thiết kế Việt Nam nổi tiếng như Công Trí, Lâm Gia Khang, điều này không chỉ chứng minh khả năng sáng tạo của cô mà còn thể hiện sự nhạy bén trong việc nắm bắt xu hướng thời trang mới nhất.

Trong một cuộc phỏng vấn gần đây, Điền70s đã có dịp chia sẻ về hành trình bước vào ngành thời trang của mình. Từ người yêu thích thời trang cho đến khi trở thành một stylist chuyên nghiệp, cô đã trải qua một quá trình không ngừng học hỏi và sáng tạo. Điền70s nhấn mạnh rằng việc kể chuyện qua thời trang là một phần quan trọng trong công việc của cô. Mỗi bộ ảnh, mỗi dự án không chỉ đơn thuần là việc chọn lựa trang phục mà còn là cách cô truyền tải thông điệp, câu chuyện và cảm xúc đến với công chúng.

Khi nói về cách tiếp cận công việc, Điền70s chia sẻ rằng sự sáng tạo và thử nghiệm không ngừng là chìa khóa cho sự thành công. Cô luôn tìm cách phá vỡ lối mòn, không ngừng cập nhật xu hướng và tìm hiểu sâu về phong cách của từng nghệ sĩ, thương hiệu để có thể tạo ra những bộ look độc đáo, phù hợp và nổi bật. Đó cũng là lý do tại sao Điền70s luôn được các nghệ sĩ và thương hiệu tin tưởng và lựa chọn cho các dự án thời trang quan trọng.

Nhìn lại hành trình của mình, Điền70s không chỉ là một cái tên nổi bật trong ngành thời trang Việt Nam mà còn là một nguồn cảm hứng cho nhiều bạn trẻ yêu thích thời trang. Với đam mê, sáng tạo và tinh thần không ngừng thử nghiệm, Điền70s tiếp tục là người kể chuyện thời trang qua các bộ ảnh và dự án ấn tượng, mang hơi thở mới mẻ và sự độc đáo đến với công chúng yêu thích thời trang.

Trong bối cảnh công nghệ và giải trí số đang ngày càng chiếm lĩnh thị trường nghệ thuật, sân khấu kịch vẫn duy trì được vị thế của mình như một không gian lưu giữ và truyền tải những giá trị nhân văn sâu sắc. Mới đây, Đài Hà Nội đã phối hợp cùng các nhà hát nghệ thuật triển khai dự án ‘Sân khấu truyền hình’, nhằm đưa những vở kịch kinh điển của sân khấu Việt trở lại với công chúng qua lăng kính hiện đại và công phu hơn.

Những vở diễn tái hiện hình ảnh con người và mảnh đất Hà Nội không chỉ đơn thuần là tác phẩm nghệ thuật, mà còn là ký ức, bản sắc và dòng chảy âm thầm nuôi dưỡng tâm hồn của nhiều thế hệ. Từ thời kỳ chiến tranh đến những năm tháng đổi mới, hình ảnh người Hà Nội được khắc họa qua từng vai diễn – vừa mang trong mình sự hào hoa, thanh lịch, vừa mạnh mẽ và đầy tình nghĩa.

Không ít tác phẩm sân khấu đã tái hiện không khí của Hà Nội trong những ngày tháng gian khổ – nơi tình người bừng sáng giữa tiếng bom rơi, đạn nổ. Vở kịch ‘Lời thề thứ 9’ là một ví dụ tiêu biểu. Tác phẩm này không chỉ khắc họa chân thực hình ảnh người chiến sĩ nơi chiến trường ác liệt, mà còn làm nổi bật tình quân dân keo sơn – nơi những con người xa lạ gắn bó như máu thịt. Không chỉ dừng lại ở quá khứ, sân khấu còn hòa mình vào dòng chảy của thời cuộc, phản ánh sự biến chuyển trong xã hội. Vở ‘Tôi và chúng ta’ – một trong những tác phẩm kinh điển của nhà văn, nhà soạn kịch Lưu Quang Vũ – đã tạo nên một làn sóng dư luận vào một thời điểm và cho đến nay, giá trị của nó vẫn không hề phai nhạt.

“Các vở diễn như ‘Lời thề thứ 9’, ‘Tôi và chúng ta’ cùng nhiều tác phẩm khác đã và đang góp phần tái hiện một Hà Nội sống động từ trong gian khó đến thời kỳ chuyển mình. Trên tất cả, đó là hình ảnh người Hà Nội với khí chất thanh lịch, tình nghĩa và luôn khao khát vươn tới những giá trị cao đẹp”, NSND Trung Hiếu – Giám đốc Nhà hát Kịch Hà Nội chia sẻ.

Khi các vở diễn kinh điển được phục dựng với tâm huyết của các nghệ sĩ, sự sáng tạo của nhà biên kịch và công nghệ của truyền hình, điều đó không chỉ là sự trở lại, mà còn là một lần tái sinh mạnh mẽ. Trong không gian ấy, truyền thống không bị lãng quên, mà được kể lại bằng hơi thở của thời hiện đại.

Nhiều nghệ sĩ cho rằng việc phục dựng các vở diễn kinh điển không chỉ giúp giữ gìn bản sắc văn hóa, mà còn là cách để kết nối với thế hệ trẻ. “Khi vở kịch được chiếu trên truyền hình, đó là sân khấu được đưa gần hơn đến với khán giả trẻ. Sân khấu có thể là một loại hình nghệ thuật từ lâu mọi người dần quên đi chỗ đứng”, diễn viên Thanh Sơn chia sẻ.

Dự án ‘Sân khấu truyền hình’ của Đài Hà Nội đã và đang góp phần bảo tồn những giá trị sân khấu truyền thống, cũng như thổi hồn mới vào các loại hình nghệ thuật dân gian. Sự kết hợp giữa nghệ thuật truyền thống và công nghệ truyền thông hiện đại trên các nền tảng số được kỳ vọng sẽ mang lại sức sống mới cho những di sản văn hóa của dân tộc.

Bên cạnh đó, các nghệ sĩ cũng bày tỏ hy vọng rằng những nỗ lực làm mới nghệ thuật truyền thống sẽ tiếp tục được công chúng đón nhận trong không gian số ngày nay. Đó cũng là một món quà nghệ thuật mang tinh thần tri ân, kết nối quá khứ với hiện tại bằng các giá trị hồn cốt của dân tộc.

Victor Vũ – Người đạo diễn dám nghĩ dám làm trong điện ảnh Việt Nam

Trong suốt hai thập kỷ gắn bó với nghệ thuật thứ bảy, Victor Vũ đã chứng minh được khả năng sáng tạo không ngừng nghỉ của mình. Với hơn 20 năm kinh nghiệm, ông đã tạo ra nhiều bộ phim đình đám, từ tâm lý, kinh dị đến lãng mạn và trinh thám. Victor Vũ không ngại thử thách bản thân với nhiều thể loại khác nhau, thay vì bám vào một công thức từng thành công để tiếp tục chinh phục thị trường.

Trong một nền điện ảnh mà tính an toàn đôi khi được xem là ‘chiến lược sống còn’, lựa chọn của Victor Vũ có thể được xem là quá tham vọng. Tuy nhiên, ông tin rằng điện ảnh là nơi để khám phá, không chỉ thế giới bên ngoài, mà cả thế giới nội tâm của mình. Mỗi thể loại phim đều mang đến một thử thách mới về cách trần thuật và thể hiện tình cảm.

Victor Vũ đã có những chia sẻ về quá trình sáng tạo không ngừng nghỉ, cảm hứng đằng sau các dự án gần đây, cùng tầm nhìn của ông về tương lai điện ảnh Việt Nam. Ông cho rằng việc sử dụng cụm từ ‘phim mì ăn liền’ để đánh giá một tác phẩm điện ảnh là khá khắc nghiệt. Victor Vũ tin rằng những phim mang tính giải trí, nếu được làm nghiêm túc, vẫn có thể tạo nên giá trị riêng và kết nối rất mạnh mẽ với công chúng.

Về việc thay đổi gu thưởng thức của khán giả Việt, Victor Vũ không cho rằng mình đủ sức để làm điều đó. Ông chỉ luôn cố gắng kể những câu chuyện mà bản thân mình tin là có giá trị – cả về cảm xúc lẫn cách thể hiện. Nếu những bộ phim đó chạm được đến khán giả và góp phần nhỏ nào đó trong việc mở rộng khẩu vị điện ảnh, thì đó là một may mắn rất lớn đối với ông và ê-kíp.

Victor Vũ cũng chia sẻ về hành trình hơn hai thập kỷ của mình, từ Oan hồn (2004) đến Thám tử Kiên: Kỳ án không đầu (2025). Ông cho rằng mỗi bộ phim là một hành trình khám phá mới mẻ, liên tục mở rộng biên độ sáng tạo và thử thách giới hạn của bản thân.

Về điện ảnh Việt Nam, Victor Vũ tin rằng ngành công nghiệp này đang phát triển và khán giả ngày càng cởi mở và tò mò hơn với những điều mới mẻ. Ông hy vọng rằng phim Việt Nam sẽ tiếp tục giữ được trái tim của khán giả, với sự nỗ lực chung của cả một hệ sinh thái: nhà sản xuất, biên kịch, diễn viên, rạp chiếu, truyền thông.

Trong tương lai, Victor Vũ đang ấp ủ những dự định mới, tiếp tục thử thách mình với những thể loại, đề tài lạ hơn nữa. Ông hy vọng rằng mỗi bộ phim sẽ tiếp tục gắn bó cùng nhiều thế hệ khán giả, và phim Việt Nam sẽ tiếp tục phát triển, giữ được bản sắc và chất lượng nghệ thuật.

Trong thời gian gần đây, công chúng đã chứng kiến một loạt các vụ bắt giữ liên quan đến ma túy của những nghệ sĩ nổi tiếng Việt Nam. Những sự việc này không chỉ gây ra sự bàng hoàng mà còn đặt ra nhiều câu hỏi về xu hướng dễ dàng sa vào cạm bẫy của chất kích thích trong giới nghệ thuật. Một số người trong ngành đã đưa ra quan điểm rằng nghệ sĩ cần đến sự sáng tạo và cảm xúc để tạo ra những tác phẩm nghệ thuật độc đáo, và việc sử dụng chất kích thích có thể giúp họ đạt được điều đó. Tuy nhiên, nhiều chuyên gia tâm lý và xã hội học đã lên tiếng cảnh báo về sự ngụy biện này và nhấn mạnh rằng nó có thể dẫn đến những hậu quả nghiêm trọng.

Các chuyên gia cho rằng việc sử dụng chất kích thích không phải là giải pháp lành mạnh để thúc đẩy sự sáng tạo và cảm xúc trong nghệ thuật. Thực tế, việc lạm dụng chất kích thích có thể gây ra những ảnh hưởng tiêu cực đến sức khỏe thể chất và tinh thần của nghệ sĩ, bao gồm cả việc suy giảm khả năng sáng tạo và cảm xúc trong thời gian dài. Hơn nữa, việc sử dụng chất kích thích cũng có thể dẫn đến việc nghiện ngập, gây ra những vấn đề nghiêm trọng trong cuộc sống cá nhân và nghề nghiệp của nghệ sĩ.

Một số nghệ sĩ đã chia sẻ rằng họ đã từng sử dụng chất kích thích như một cách để vượt qua rào cản sáng tạo và tìm kiếm cảm hứng. Tuy nhiên, các chuyên gia nhấn mạnh rằng có nhiều cách khác để đạt được điều này mà không cần đến chất kích thích. Việc rèn luyện kỹ năng, tìm kiếm nguồn cảm hứng từ cuộc sống hàng ngày, và xây dựng mối quan hệ lành mạnh với đồng nghiệp và bạn bè có thể giúp nghệ sĩ đạt được sự sáng tạo và cảm xúc mà không cần đến chất kích thích.

Các cơ quan chức năng và tổ chức xã hội cũng đã lên tiếng cảnh báo về tình trạng sử dụng chất kích thích trong giới nghệ thuật và kêu gọi nghệ sĩ tránh xa cạm bẫy này. Đồng thời, họ cũng đề nghị hỗ trợ và tư vấn cho những nghệ sĩ đang gặp khó khăn với chất kích thích, giúp họ tìm kiếm sự giúp đỡ và phục hồi.

Vụ việc nhiều nghệ sĩ bị bắt vì liên quan đến ma túy đã làm dấy lên cuộc tranh luận về trách nhiệm của giới nghệ thuật trong việc ngăn chặn và xử lý tình trạng này. Cần có sự phối hợp chặt chẽ giữa các cơ quan chức năng, tổ chức xã hội, và chính giới nghệ thuật để xây dựng một môi trường lành mạnh và an toàn cho tất cả các nghệ sĩ.

Vietnamnet cho biết, ngày 8/8, thông tin từ Công an TP Hà Nội cho biết, cơ quan này đang điều tra làm rõ liên quan nghi vấn một số người bị bắt giữ liên quan ma túy và các nghệ sĩ khác trong showbiz Việt.

Triển lãm ‘Hành trình màu sắc – Nối những ước mơ’ hiện đang được tổ chức tại Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam, tọa lạc tại Hà Nội. Sự kiện này quy tụ 76 tác phẩm hội họa đa dạng và phong phú từ các tác giả nhí, thể hiện sự sáng tạo và đa màu sắc của các em nhỏ. Không chỉ dừng lại ở việc tôn vinh vẻ đẹp văn hóa truyền thống qua góc nhìn trẻ thơ, triển lãm còn tạo ra một sân chơi sáng tạo, khuyến khích các em nhỏ tự do thể hiện cảm xúc và tài năng của mình.

Họa sĩ Đào Hải Phong, người đóng vai trò cố vấn nghệ thuật cho triển lãm, bày tỏ sự ngạc nhiên trước sự chững chạc và gu thẩm mỹ trong các tác phẩm tranh của các họa sĩ nhí. Điều này cho thấy các em nhỏ có nhận thức thẩm mỹ rất tốt và khả năng sáng tạo đáng kinh ngạc. Sự kiện này không chỉ là một dịp để các em nhỏ thể hiện tài năng mà còn là cơ hội để tiếp tục phát triển đam mê và tình yêu đối với nghệ thuật.

Một trong những điểm nổi bật của triển lãm là sự tham gia của Nguyễn Ngọc Nam Khuê, một học sinh đang sinh sống và học tập tại Mỹ. Khuê đã tạo ấn tượng với loạt 12 tác phẩm xoay quanh chủ đề quê hương, gia đình và thiên nhiên. Việc được trưng bày tác phẩm tại Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam đã trở thành động lực để em tiếp tục theo đuổi đam mê hội họa và phát triển tài năng của mình.

Trong bối cảnh các sân chơi nghệ thuật dành cho thiếu nhi còn hạn chế và trẻ em ngày càng bị cuốn theo những trò chơi công nghệ và thế giới ảo, triển lãm ‘Hành trình màu sắc – Nối những ước mơ’ mang ý nghĩa đặc biệt. Sự kiện này không chỉ là một triển lãm nghệ thuật mà còn là một hoạt động giáo dục, giúp trẻ em phát triển khả năng sáng tạo và ý thức bảo vệ môi trường. Qua đó, các em nhỏ sẽ có cơ hội tiếp cận với nghệ thuật một cách gần gũi và sáng tạo, từ đó nuôi dưỡng tâm hồn và mở rộng khả năng sáng tạo.

Một hoạt động đáng chú ý khác là workshop cộng đồng ‘Vệt màu trên sóng nhựa 2’, nằm trong khuôn khổ triển lãm. Tại đây, các em nhỏ đã được hướng dẫn cách tạo ra các sản phẩm nghệ thuật mang tính ứng dụng từ các vật liệu như chai nhựa, ống hút, túi nilon, nắp chai, thìa nhựa… Qua hoạt động ‘chung tay – gắn kết – tái tạo’, workshop mong muốn tạo ra một không gian giáo dục nhẹ nhàng, nơi trẻ em không chỉ học vẽ mà còn học làm người sống có trách nhiệm với môi trường. Điều này không chỉ giúp trẻ em phát triển khả năng sáng tạo mà còn giúp các em hiểu được tầm quan trọng của việc bảo vệ môi trường.

Triển lãm ‘Hành trình màu sắc – Nối những ước mơ’ sẽ diễn ra từ ngày 19 đến 21/7/2025 tại Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam. Sự kiện này mở cửa đón công chúng đến tham quan và trải nghiệm. Đây là một cơ hội để công chúng, đặc biệt là các bậc phụ huynh và các em nhỏ, có thể tiếp cận với nghệ thuật và giáo dục một cách gần gũi và sáng tạo. Mọi người có thể tìm hiểu thêm thông tin về triển lãm và các hoạt động liên quan tại Báo Mới hoặc trang web chính thức của Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam.

Đã hơn ba thập kỷ trôi qua kể từ khi bộ phim “Jurassic Park” ra mắt lần đầu vào năm 1993, nhưng hình ảnh khủng long vẫn tiếp tục là một phần không thể thiếu trong văn hóa đại chúng. Thương hiệu phim “Jurassic” đã trở thành một trong những loạt phim ăn khách nhất mọi thời đại, với tổng doanh thu phòng vé toàn cầu lên đến hơn 6 tỷ USD sau sáu phần phim chính thức. Nhưng điều gì đã khiến loài sinh vật tuyệt chủng hàng triệu năm trước lại trở thành hiện tượng văn hóa đại chúng kéo dài?

Sự kết hợp khéo léo giữa khoa học viễn tưởng, hành động nghẹt thở và kỹ xảo điện ảnh đỉnh cao là yếu tố then chốt giúp thương hiệu “Jurassic” trở nên nổi bật. Không chỉ thu hút khán giả nhờ sự hùng vĩ và dữ dội của các loài khủng long, thương hiệu này còn khai thác sâu sắc mối quan hệ giữa con người, thiên nhiên và khoa học, đặt ra câu hỏi về việc can thiệp vào tự nhiên. Chính điều này giúp “Jurassic” vượt khỏi khuôn khổ một bộ phim giải trí đơn thuần để trở thành tác phẩm có chiều sâu tư tưởng.

Trải qua nhiều biến chuyển, thương hiệu “Jurassic” đã trải qua nhiều thay đổi. Sau ba phần phim “Jurassic Park” (1993-2001), thương hiệu được hồi sinh mạnh mẽ với “Jurassic World” vào năm 2015. Chỉ riêng phần phim này đã thu về hơn 1,6 tỷ USD toàn cầu, trở thành một trong những phim có doanh thu cao nhất thập kỷ. Sự thành công đó mở đường cho hàng loạt phần tiếp theo như “Fallen Kingdom” (2018) và “Dominion” (2022), dù nội dung nhận nhiều ý kiến trái chiều.

Một trong những thách thức lớn nhất mà thương hiệu “Jurassic” đang phải đối mặt là việc cân bằng giữa yếu tố thương mại và chất lượng nội dung. Các phần phim sau được đầu tư mạnh về kỹ xảo, dàn sao và quảng bá toàn cầu, với mục tiêu rõ ràng đó là lợi nhuận. Điều này cũng đặt ra thách thức về mặt nội dung. Khi trọng tâm nghiêng về doanh thu, các yếu tố như logic kịch bản, chiều sâu nhân vật, hay thông điệp nhân văn dễ bị lu mờ trước những cảnh hành động rượt đuổi mãn nhãn.

Liên tục “khai thác” – Con dao hai lưỡi? Từ “Jurassic Park” (1993) đến “Jurassic World: Dominion” (2022), mô-típ chung của hầu hết các phần phim vẫn là: con người tái tạo khủng long – mất kiểm soát – thảm họa xảy ra. Dù được “tô màu” bằng nhân vật mới, bối cảnh mới hay giống loài khủng long lai tạo, cốt lõi nội dung không có nhiều đột phá. Điều này khiến một bộ phận khán giả trung thành bắt đầu thấy sự lặp lại nhàm chán. Những phần phim gần đây thường bị chê là thiếu logic, yếu về kịch bản, và quá phụ thuộc vào kỹ xảo.

Sức hút khủng long có thể là vĩnh cửu, nhưng khán giả ngày nay đòi hỏi nhiều hơn những màn gầm rú ầm ỹ. Việc loạt phim tiếp tục “tái sinh” có thể khiến một bộ phận khán giả cảm thấy mệt mỏi vì kịch bản lặp lại, thiếu sáng tạo. Tuy nhiên, ở khía cạnh thương mại, “Jurassic” vẫn là “con gà đẻ trứng vàng”. Từ phim ảnh, công viên giải trí, đồ chơi, game, đến hàng loạt sản phẩm ăn theo, khủng long vẫn chứng minh được sức sống mãnh liệt trên mọi mặt trận.

Mâu thuẫn giữa di sản và thị hiếu không thể phủ nhận di sản “Jurassic Park” đã đặt nền móng cho dòng phim khoa học viễn tưởng mang màu sắc triết lý – nơi khủng long không chỉ là sinh vật gây sợ hãi, mà còn là biểu tượng của tham vọng con người, của cái giá phải trả khi chơi đùa với tự nhiên. Nhưng càng về sau, những giá trị này dường như mờ nhạt dần giữa sự xô bồ của thị hiếu đại chúng.

Trong thời đại mà mọi thương hiệu đều cố xây dựng “vũ trụ điện ảnh”, câu hỏi đặt ra là: Liệu Jurassic có đang chạy theo trào lưu mở rộng, mà quên mất cốt lõi triết lý từng làm nên thành công ban đầu? Thương mại hóa – Chiến lược hay vết nứt ngầm? Từ góc độ kinh doanh, việc tiếp tục sản xuất các phần phim là bước đi hợp lý: khán giả vẫn đến rạp, sản phẩm ăn theo vẫn bán chạy, thương hiệu vẫn giữ sức ảnh hưởng.

Tuy nhiên, nếu không có chiến lược tái định hình nội dung, thương hiệu Jurassic có thể trở thành biểu tượng “nghe đã quá quen” nhưng không còn đáng nhớ. Giống như nhiều thương hiệu điện ảnh khác (Transformers, Fast & Furious…), việc khai thác quá mức dễ dẫn đến hiện tượng người xem mệt mỏi vì nội dung lặp lại, mất kết nối cảm xúc và dần quay lưng.

Tương lai nào cho thương hiệu tỷ đô? Giữa bối cảnh điện ảnh thế giới đang dần thay đổi với sự lên ngôi của những vũ trụ điện ảnh đa dạng và nhân vật mới mẻ, việc thương hiệu “Jurassic” có tiếp tục giữ vững được vị trí hay không phụ thuộc vào khả năng đổi mới trong cách kể chuyện, nhân vật, và thông điệp. Khán giả không còn bị chinh phục chỉ bởi kỹ xảo mà họ cần những câu chuyện chạm tới cảm xúc và phản ánh đúng thời đại.

Liên tục khai thác thương hiệu “Jurassic” giúp hãng phim thu về hàng tỷ USD, nhưng cũng là con dao hai lưỡi có thể bào mòn giá trị sáng tạo – điều từng làm nên huyền thoại khủng long trên màn ảnh. Bài toán đặt ra không chỉ là làm sao để tiếp tục “gầm vang” doanh thu, mà còn là làm sao để khủng long tiếp tục sống mãi trong lòng người xem như một biểu tượng điện ảnh thực thụ, chứ không chỉ là công cụ kiếm tiền của phòng vé.